O artista mineiro Paulo Nazareth:

Quando nasci o Anjo torto
O mesmo que disse ao Carlos para ser gauche na vida
Agora com artigo definido por ter ganhado fama, após o poema
E de volta dos Estados Unidos da América
Disse-me:  seja lifte in dê  laife minino !
Vendo que eu não entendia repetiu em um bom francês: Etê vu  gôche an la  vie menino!
Continuei sem entender a língua estranha de um Anjo viajeiro .
Até que qu’ele disse em língua caseira : seja torto, ande pelos caminhos tortos , seja peralta , seja malandro , sobreviva na vida menino…
Faça arte se possível!

Fazer arte na vida  seria coisa difícil, para alguém nascido em uma cidade mineira que não faz parte das tradicionais cidades barrocas e longe do Belo Horizonte de Guignard. O que resta para esse alguém é fazer arte à maneira interiorana, como construir brinquedos  com restos de madeira,frutos secos e sementes ou  por fogo nesses mesmos restos e ver o fogo desenhar sombras em uma parede ou muro mais próximo.

Arte também era o que faziam alguns senhores ao consertarem ou tentarem consertar um aparelho eletrodoméstico sem o manual de instruções ou a cartilha do Instituto Brasileiro de Ensino a Distancia. E também ao converterem  um radinho de pilha à energia elétrica , mesmo que este corresse o risco de se tornar uma bomba caseira, somente para economizarem uns trocados.

Os artistas outras vezes  eram os loucos  que caminhavam na cidade realizando suas mais excêntrica ações- performances  que deixavam desconsertados qualquer um que se julgasse “normal”. A policia designada para manter a ordem publica, evitando maiores trabalhos nunca se intrometia com os ditos artistas, para os quais existiam uma força especial que eram os psiquiatras de Barbacena.

Existiam também outros performances, como O homem com um enorme saco que o transformava em um ser lendário comedor de crianças. Outros,simplesmente por serem” feios”, povoavam o infantil e abominável mundo das bestas como por exemplo:  O homem que capava meninos, retirando-lhes os testículos ou as vezes o pênis por inteiro. Outros artistas decidiam por ações um pouco mais sofisticadas, acreditavam no direito de ir e vir e saiam rumo as fronteiras das Américas , levavam a sério o lema da independência dos Estados Unidos : “A América  para os americanos” . E como bons artistas americanos não respeitavam imposições de outros americanos e inventaram e continuam a inventar inúmeras maneiras de fazer valer os direitos de ir e vir. É neste contexto que sigo os conselhos de um anjo brasileiro, de asas quebradas,remendadas e encardidas que me diz que somos todos um bando de MACUNAÍMAS, num  País das Maravilhas Para Poucos , fazendo guambiarras e outras coisas para manterem-se vivos. E em em todas essas ações bato o carimbo: ISTO É ARTE!

O ponto de partida deste projeto é uma série de 20 cartazes educacionais impressos na década de 70 e utilizados por minha mãe enquanto professora na rede pública de ensino nos anos 80 e 90.

Utilizando conceitos e procedimentos do método Paulo Freire de alfabetização, os cartazes foram base para uma série de encontros diários com um grupo de analfabetas, durante um mês. O percurso das conversas de cada dia se tornava pauta fotográfica para novos cartazes criados por mim que voltavam para as conversas, criando uma espécie de engrenagem artístico-educacional.

Ao fim deste processo, o trabalho se apresenta como um painel de 60 cartazes de ontem e de hoje, que mesclam vários tempos históricos – 64, 71, 80, 90, 2010. Esta coleção final se descola do processo que a gerou podendo ser lida segundo o repertório do espectador, seja como uma enciclopédia fotográfica, um arquivo de crônica nacional, ou ainda um plano educador revisado, contraditório e ampliado.

O método Paulo Freire de alfabetização aliava escolarização com formação de consciência. Uma primeira experiência foi aplicada com 5 trabalhadores analfabetos dos quais 3 aprenderam a ler e escrever em 30 horas. Paulo Freire foi convidado pelo governo de João Goulart a organizar a Campanha Nacional de Alfabetização, que objetivava alfabetizar 2 milhões de pessoas em 20mil círculos de cultura. O Golpe Militar de 64 interrompeu o projeto, reprimiu a mobilização, e Paulo Freire foi perseguido, preso e exilado. O regime militar substitui o plano pelo Movimento Brasileiro de Alfabetização, que propunha a alfabetização funcional de jovens e adultos.

O Brasil está sob regime militar desde 64 e Paulo Freire está exilado. Em 71, cartazes para educação de adultos são vendidos nas bancas como material didático. Entre 70 e 90, minha mãe trabalha com eles como professora na rede pública. Em 2006, ela se aposenta, se desfaz dos cartazes, e eu os guardo comigo. Pesquiso um pouco e descubro que carregam uma estrutura parecida aos cartazes do método Paulo Freire – uma imagem e uma palavra que partem do universo vocabular do aluno. Vejo que o método era bastante aberto, que se tratava de dimensionar politicamente a existência do outro; que se propunha concreto somente na prática; que não era preciso ser pedagogo para aplicá-lo. Pensei então em retomar os cartazes como ponto de partida para conversas com analfabetos de hoje, e a partir do que viesse à tona, fazer novos cartazes com novas imagens e novas palavras que retornariam para as conversas completando uma espécie de engrenagem. Talvez o projeto pudesse ser uma experiência de método Paulo Freire que experimentasse achatar os vários tempos históricos envolvidos – 64, 71, 80, 90, 2006, 2010 – num só plano. Talvez se apresentasse como um plano educador revisado, contraditório e ampliado. Fui a associacoes de lavadeiras e costureiras e encontrei um grupo de 6 mulheres que não sabiam ler e escrever e passamos a nos encontrar todos os dias após o almoço, durante o mês de agosto.

… embora o papel de provocador naquele momento esteja devolvido para mim, sinto um desconforto em estimular uma sensibilização de uma condição de oprimido sem ter exatamente uma convicção de como encaminhar para uma organização libertária. É uma experiencia, e trago o método sem saber o quanto esta sensibilização politica pode ser alcançada, em que medidas ela é mesmo prática da liberdade. O projeto toma emprestado um fôlego utópico de outro tempo histórico, entretanto, em momentos como este, a utopia se revela desajustada, um corpo estranho em ação. Assim, me sinto desautorizado a estimular um despertar de insatisfações adormecidas diante de um mundo em que tudo é tão cruamente pautado em favorecidos e desfavorecidos; em uma história de manutenção de poder em que não tenho clareza o quanto sou massa ou protagonista. Opressão e liberdade riscam faísca ali não exatamente de luta, mas de retomada de poder no sabor sobre a própria vida, no reconhecimento de um corpo autorizado a se mover na contradição. Percepção crítica não pode ser imposta, e talvez a grande horizontalidade que aconteça é que tudo que vem à tona é o que já existe na experiencia de vida delas e minha, e que é potencializado pelo nosso encontro. Para experimentar uma troca de fato, é preciso lançar mão de um despudor nas provocações que vão na conversa ou para o quadro, um risco na escolha das palavras. Esta urgência também vai para a feitura das fotos, mas é uma negociação delicada; envolve convidar as pessoas a serem atores sociais de uma representação desfavoravel de si mesmas, que ora se aproxima do estigma de que fogem, ora envolve assumir o papel dos outros que evitam. É um corpo a corpo que me põe em confronto com minha própria imaturidade ética, a falta de clareza sobre até onde levar o exercício do despudor que desmonta o limite de minha zona de conforto sobre aquilo que cresci aprendendo a ler como invisível. A arte me permite experiências que seriam impossíveis enquanto somente pesquisador ou cientista social. Posso manejar tradições com mais fluidez; inventar metodologias; experimentar ficções em que posso ser ora pedagogo e pesquisador, ora fugitivo, extraditado, meliante. Parto de urgências e desconfortos cotidianos, de certa forma até pessoais, que ganham dimensão social através da experiência artística. Com isso me tomo como uma célula geracional e o percurso do trabalho detona uma serie de contradições que me colocam diretamente em contato com o tempo que me precede, fazendo da História, da Economia e dos Problemas Nacionais entidades mais palpáveis, menos abstratas. [via]

Stefan, viveu entre 2005 e 2008 na cidade de Lençois, na Bahia onde pesquisou sobre religião, folclore e cultura brasileira. [amo]

CONFRONTO from cinthia marcelle on Vimeo.

8 malabaristas ocupam simultaneamente uma faixa de pedestre provocando um ruído entre carros afoitos em cruzar o farol. Os acrobatas que aos poucos tomam a rua, entram e saem, dois a dois no circuito, até formarem uma barreira frente ao sinal verde. O poder do fogo e a habilidade dos acrobatas, desafiam a buzina estridente dos motoristas.

Quantos acrobatas estão em frente ao sinal nesse exato instante?

Um excelente texto sobre a Bienal, de Angélica Moraes.

Sobre borboletas e arte
Classificar é utopia dos enciclopedistas do século 18. Não funciona mais.

Há quem goste de colecionar borboletas e espetar lado a lado, em estreitas e burocráticas fileiras, o que antes era liberdade de voo e amplidão de espaço. Há quem veja graça em tornar estático algo que era vivo e animado pela surpresa da descoberta, do voo a revelar a cor e o movimento de um instante especial. Submetida à lógica hirta de colecionador de borboletas, uma exposição de arte pode resultar na contrafação do que Mário Pedrosa tão sabiamente definiu como arte, ou seja, “o espaço experimental da liberdade”.

Presa a grades classificatórias e conjuntos tão extensos de pequenas coisas que eliminam a graça do voo amplo e livre de uma ideia artística, subtraindo ao olho o golpe de vista iluminador de uma visualidade, a cara da 30ª Bienal de São Paulo resulta mais adequada a um museu de história natural do que a sua missão de espelho da contemporaneidade. Classificar, como nos ensinou este jovem século 21, é uma tarefa vã diante da complexidade do real. Classificar é utopia dos enciclopedistas do século 18. Não funciona mais.

O imenso pavilhão, de generosos espaços a convidar para a ousadia rara dos grandes formatos, impossíveis de serem abrigados na maior parte do circuito exibidor de galerias e museus, restou com muitas paredes em branco extremamente visíveis, desperdiçadas. Os estratégicos locais no entorno do vão central são os que mais sofrem desse problema de distribuição de obras, para não falar no absoluto desperdício do próprio vão central. Situar a excelente mas sutil e intimista obra de Franz Erhard Walther no térreo do vão central é algo assim como escrever uma ópera e esquecer que ela tem árias. Walther não é um tenor. Nunca pretendeu ser. Colocado no lugar de um tenor, sua arte resulta achatada pelo enorme volume de ar de três pavimentos sobre seu trabalho que, visualmente, é apenas uma caixa de tecidos e um tapete negro. Sim, são performances. Mas elas não acontecem em tempo integral, claro, o que estabelece uma ausência incômoda no próprio coração do espaço expositivo.

Um dos poucos pontos altos da 30ª Bienal é o conjunto de fotografias de August Sander e seu diálogo com as coloridas imagens de Hans Eijekelboom. Mas mesmo aí, na excelência da captura de personagens de leitura sociológica e psicológica, perpassa o fantasma do entomologista que os reuniu desta forma. Se a escolha fosse menos numerosa e as imagens em cópias maiores, teríamos proporção mais confortável ao olho do espectador. O olhar tão próximo é característico do livro, não de uma exposição de arte. Isso acaba gerando uma contaminação do foco do olhar pelas imagens do entorno, reduzindo a força do trabalho dos artistas homenageados, um deles absoluto clássico da fotografia de todos os tempos.

Felizmente os artistas brasileiros comparecem em grande número e garantem conjuntos consistentes em meio a um todo que não consegue sustentar coesão. Essa presença reflete a competência e protagonismo da arte produzida no país nas últimas décadas, claro. Mas também pode ser lida como algo reparador do grande erro que foi comemorar os 60 anos da Fundação Bienal, em setembro de 2011, com uma exposição (Em nome do Artista) em que os brasileiros estiveram alijados da festa que, por direito e mérito, era também e principalmente deles.

Entre os brasileiros, uma das presenças mais marcantes desta 30ª Bienal é Paulo Vivacqua, com instalações que resolvem de modo eficaz e enxuto a visualidade da sound art, estabelecendo um diálogo lúdico que perpassa a memória minuciosa da infância. Sim, em um deles os sons são classificados, mas Vivacqua os liberta em vôos solo ou os reúne em divertidas formas orquestradas. Atitude que faltou no conjunto desta edição da Bienal. Mas, como sempre, os artistas conseguem salvar pela competência de suas participações individuais os escorregões da curadoria. São bravuras assim que contribuem para a vitalidade e permanência desta mostra sexagenária.